El Salvador Fashion Week summer 2026 volvió a reunir a la escena local en el Museo Nacional de Antropología, en una edición donde las colecciones dejaron ver tanto sus avances como sus vacíos.
El jueves 17 de abril, el Museo Nacional de Antropología abrió sus puertas para una nueva edición de El Salvador Fashion Week edición verano 2026. La escena es conocida, pero nunca del todo igual. La espera también, una hora de retraso antes de que el jardín interior del museo comenzara a moverse. Cuando finalmente arrancó la noche, lo que se desplegó no fue solo una serie de colecciones, sino una cadena de preguntas que atraviesan, una vez más, el estado de la moda local.
Aclaro algo antes de entrar. He estado en esta escena desde varios ángulos. Conozco lo que cuesta armar una pasarela y lo que se arriesga cada vez que alguien sube una prenda. Por eso mismo puedo decir esto. Más de 15 años después, la evolución no está ocurriendo al ritmo que debería.
Lo que busco no es perfección técnica por decreto, sino algo más básico. Coherencia entre idea y ejecución. Intención visible en el proceso. Una conversación con lo que ocurre afuera de la pasarela. Cuando eso aparece, se nota de inmediato. Cuando no, también. Vamos de lleno.
Geraldine García abrió con una colección que se reconoce desde el primer vistazo. Faldas, blusas, vestidos atravesados por flecos, bordados y tejidos, junto a esas aplicaciones en corte láser que ya forman parte de su lenguaje. También aparecieron encajes y algunos accesorios, kimonos y una red para la cabeza a modo de adorno. Hay algo que no se discute en el trabajo de García y es la calidad de los acabados. Los flecos, los bordados, las telas, todo está bien resuelto. La colección se mantiene en un registro festivo, con ese aire de verano que parece definir buena parte de lo que se espera del diseñador local. Aquí aparece una primera tensión. Los compradores siguen viendo a los diseñadores como creadores de prendas para ocasiones especiales.
Luego llegó el turno de Citlaly de tomar la pasarela con un juego de capas y túnicas de ejecución sencilla, acompañadas de cinturones tejidos. Algunas mantillas de croché que funcionaban como capa. La colección despierta preguntas. ¿Estamos frente a un cuerpo de trabajo o frente a una muestra de habilidades con el macramé? ¿Dónde se ubica el proceso de diseño dentro de estas piezas? Las preguntas no buscan desmontar el trabajo, sino empujar algo que hace falta. Probablemente una revisión más profunda de los procesos. Qué se están preguntando los diseñadores mientras crean, a qué recursos acceden, quiénes son sus referentes. Hay un campo abierto ahí que todavía no se termina de trabajar.
Siguió Alexandra Quintero, quien presentó una colección inspirada en el florecimiento y sus implicaciones. En pasarela eso se tradujo en prendas de punto con flores bordadas, lentejuelas y pedrería. Siluetas sencillas, algunas capas que se superponen entre faldas, blusas y sobrevestidos, otras más directas con faldas largas y tirantes. Incluso apareció una mascada del mismo textil, buscando estilizar los looks. No es que uno se siente a esperar fallas, pero algo no termina de hacer sentido. Los tonos pastel, el aire romántico, la elección de materiales, todo convive sin llegar a un punto de tensión que eleve la propuesta. La sensación que queda es incompleta.
Llegó el momento de Andrea Ayala, quien volvió sobre un lenguaje que ya ha trabajado, en colores blanco, amarillo, celeste, tirantes con o sin aplicaciones de flores bordadas con pequeños destellos de brillo, y ese pañuelo largo al cuello que vuelve a aparecer en esta colección. Ayala vive en un eterno jardín y sus clientas también. La colección está bien cosida, consistente en su ejecución. Pero la pregunta regresa, casi inevitable. ¿Qué entiende el salvadoreño como diseñador de moda? Y en medio de esa insistencia, aparece otra duda, más personal. ¿Qué estoy esperando yo de estas pasarelas? Temporada tras temporada, en lugar de certezas, lo que se acumulan son las preguntas.
El turno de la marca guatemalteca Estilo Quetzal introduce un contraste sobre la pasarela. Más allá de afinidades personales, hay una propuesta que se distingue con claridad. Se nota la diferencia entre estilizar y no hacerlo, entre accesorizar y enviar a las modelos sin nada más. Estilo Quetzal presenta una lectura contemporánea de los tejidos tradicionales guatemaltecos, explorando colores, siluetas, combinaciones. Las piezas pueden separarse de los looks y seguir funcionando. Hay bolsos de paja, otros con aplicaciones textiles, collares voluminosos con frutas y canastos en miniatura. Camisetas, pantalones, bañadores, vestidos, prendas que circulan entre distintos usos. Sin caer en el disfraz ni en una idea forzada de exotismo, la colección propone y se sostiene.
Tras un receso breve, Natasha Jiménez debutó en pasarela con Mia Voga. El contexto marca la lectura de una colección desarrollada en cinco días. Eso se percibe. Vestidos de fiesta en tafeta, intervenidos con flores pintadas a mano. La idea se vuelve interesante no por el formato, sino por el nivel de intervención. Algunas flores quedan en una escala mínima, otras se expanden mejor sobre el vestido. La paleta trabaja con contrastes que funcionan, como azul eléctrico con rosa carmesí, amarillo ámbar con negro. La diseñadora lo llama un “lienzo tropical”. En backstage la diseñadora mencionó que fue invitada a presentar en este evento con pocos días de anticipación. La pregunta que queda flotando es qué podría ocurrir con más tiempo.
Ila, bajo la dirección de Tere Safie, presentó “Ensueño”, una colección que insiste en una idea de elegancia etérea. Vestidos vaporosos, tonos amarillos, celestes, rosas y blancos, faldas acampanadas de cintura baja, mangas tipo mariposa. La ejecución es precisa, hay dominio en la construcción de ese universo. Mientras las modelos avanzan, surge una inquietud que aparece casi como una nota al margen. Qué pasaría si el estilismo se arriesgara un poco más, si la pasarela construyera una narrativa que dialogue o incluso contradiga la suavidad de las prendas.
Cerca de las 10:30 de la noche apareció Moskem. Una colección a la que ya había tenido un acercamiento previo en un formato más íntimo. En pasarela, la marca deja ver dos caminos que conviven. Por un lado, una exploración más expresiva, sacos intervenidos con pintura, tejidos, plástico, guata, mangas arrancadas, corbatas que se convierten en cuello, puntadas visibles. Por otro, una línea más contenida pensada para su cliente cotidiano. Esa dualidad es clara. También lo es el anuncio de trabajar con telas importadas desde Inglaterra, elevando la calidad de sus trajes, pantalones y camisas. En un contexto donde la oferta masculina a medida es limitada, esa decisión no pasa desapercibida.
Quince minutos después, Ischia presentó una extensión de sus vestidos texturizados. Hay un trabajo evidente en la construcción de volumen, en el uso de la tela sin restricción para lograr el efecto. Algunos momentos de la colección destacan con claridad. Uno de ellos es una minifalda negra con una flor al costado acompañada de una capa roja corta, y medias negras como parte del look, decisiones que empiezan a sugerir una intención más allá de vestir el cuerpo. Apareció también Isabella García-Manzo con un vestido gris ceñido, cuello halter y volantes. La colección se mueve entre dorados, blancos, rojos, negros y cobres sin perder consistencia.
A esa altura de la noche, cerca de las 10:50 p.m., el cansancio ya se notaba. El front row comenzó a vaciarse. No es la primera vez que ocurre, sin embargo, sigue siendo una acción difícil de justificar. La pasarela existe para ser vista, y el gesto de irse antes de que termine habla también de cómo respetamos este espacio.
Mónica Arguedas cerró la jornada sosteniendo una trayectoria de más de 16 años. Su “tropical chic” sigue articulando una identidad clara que consiste en volantes, moños, mangas abullonadas, escotes cuadrados, flecos. Hay dominio en la ejecución, en el fitting, en la manera en que cada prenda cae sobre el cuerpo. Los colores se mueven entre negros, burdeos, naranja, verde, rosa y blanco, atravesados por estampados y lunares. Un jumpsuit verde lima satinado, con lazo al frente y pequeñas moscas bordadas en el hombro, concentra esa mezcla de fuerza y sensualidad que la diseñadora ha construido con el tiempo. En backstage, adelantó que su próxima colección buscará rendir homenaje a una figura musical, con una puesta en escena distinta a lo que se ha visto hasta ahora.
Al cerrar la noche, la sensación no es de conclusión. Hace falta depurar. Hace falta perder el miedo a revisar lo propio. Algo parece estar moviéndose dentro de la comunidad, una revisión de ideas, procesos y ejecución que apenas empieza a tomar forma. También quedan a la vista las ausencias de diseñadores, modelos, estilistas, e incluso público.
En más de una conversación de la que he sido parte en los últimos meses, se repite la misma idea. Mientras las marcas sigan vendiendo, la crítica pierde relevancia. Tiene sentido desde el negocio. Pero no debería ser suficiente para quienes observan, compran o intentan entender la escena desde fuera. Conformarse con intentos tímidos y mal ejecutados de una “escena de moda” deja poco margen para crecer.
Hay una forma de explicar lo que esto significa para quienes estamos adentro. El fin de semana pasado, Julian Casablancas volvió a Coachella con The Strokes después de años de ausencia. La presentación generó todo tipo de reacciones, pero lo que quedó circulando fue algo que él mismo dijo hace tiempo en Ode To The Mets, uno puede seguir vinculado a algo incluso en medio de la decepción constante. Como una forma de seguir mirando, esperando que en algún punto las cosas cambien. Que las preguntas que planteo temporada tras temporada empiecen a encontrar respuestas mejores.
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